Artistes (G à L)

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Artistes (G à L) Il y a 121 produits.

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  • GAGNON Danie

    Née à Montréal dans une famille qui s'est toujours impliquée dans le milieu artistique, elle réside à Sainte-Julie depuis plus de 25 ans. Crayons de couleur, pastel, fusain et encre ont toujours fait partie de son environnement et ce, depuis sa tendre enfance.
    Toutefois, ce n'est qu'au milieu des années 1990 qu'elle se découvre un talent en peinture. Bien qu'elle débute sa carrière comme autodidacte, elle ne tarde pas à prendre quelques cours afin d'acquérir de nouvelles connaissances sur les techniques et la composition. Elle à été guidée par l'artiste peintre Juan Crystobal.
    Le pastel et l'huile lui permettent d'offrir sur ses toiles une explosion de couleurs marquée par la douceur, le calme et la sérénité. Son intérêt et son engagement en peinture se sont cristallisés principalement en tant qu'artiste peintre animalière.
    Depuis la fin de l'an 2000, elle consacre la majeure partie de son temps à son art, diffusant ses oeuvres de façon régulière. Elle prend soin d'aller à même la nature pour immortaliser sur photographie et sur croquis les beautés que celle-ci lui offre de ses saisons et de tout son règne animal sous ses yeux admiratifs. Ses photos sont utilisées comme point de repère pour l'anatomie de l'animal.
    "Mes oeuvres ne sont pas didactiques; mes muses, en majorité les oiseaux, sont représentés dans différentes situations; parfois dans leur contexte naturel, mais aussi dans un élan d'émotion ou dans une petite histoire qui est plus humaine qu'animal".
    Il s'agit donc d'un hommage et d'un appel au respect pour tous ces animaux qui la fascine et l'intrigue. Fossilisés par le biais du pigment sur la toile, ils se matérialisent par la peinture dans notre mémoire collective comme un précieux héritage.

  • GAMBOENA Isabelle JACQ

    L'œuvre d'Isabelle Jacq Gamboena est un élan du cœur célébrant la sensualité, la force et la splendeur de la culture andalouse et du Flamenco.
    Artiste peintre, Isabelle Jacq Gamboena a un parcours artistique constitué d'une pratique picturale intense, de voyages, de rencontres et d'une imprégnation profonde avec l'univers du Flamenco. D’origine espagnole, Isabelle Jacq pratique très tôt le dessin, la peinture et s'initie également à la danse. Après quelques années passées en Afrique du Nord, Isabelle monte à Paris pour se former à l'École Nationale Supérieure des Beaux-arts. où elle obtient le Diplôme. Sa pratique de la danse Flamenca lui apporte aussi une connaissance qu'elle met au service de l'art pictural. Peintre du Flamenco, la musique, le chant et la danse Flamencas sont ses principales sources d'inspiration. Sur la surface de la toile, la couleur s’étale, prolongeant ses ramures dans les formes évoquant l’univers du Flamenco. La matière creusée, superposée, déchirée ou collée est constituée de plusieurs matériaux. Elle donne naissance à un monde dans lequel les vibrations sonores du flamenco deviennent matière colorée, se mêlant aux lignes d’un corps dansant ou d’un visage. Des motifs floraux, des reliefs et des arabesques rythment la surface picturale, diffusant une ambiance arabo-andalouse. Également portraitiste, Gamboena aime traduire l'expression d'un guitariste, d'une danseuse ou d'un chanteur transfigurés par le feu du duende. Ses séjours réguliers en Andalousie l'amènent à rencontrer aussi de nombreux artistes de cet univers. Assurément, la culture andalouse imprègne en profondeur sa vie et sa peinture aux pigments orientaux.

  • GOIG Gema

    L'Art comme jeu et le jeu comme Art.

    L'œuvre artistique de Gema Goig nous suggère deux niveaux d'interprétation: celui qui est simple et sensible, et celui qui est approfondie et intellectuelle. Les deux se complètent comme l’irréalité et la réalité, la veille et le rêve, l'évocation et l'oubli, l’avoir et l’être. 

    Le monde de synthèse qu’elle nous propose nous aide à entrer dans un état de silence intime et réfléchissant. Cela nous montre un chemin de magie, de fantaisie, tout comme une théorie du souvenir et du jeu de la création. Être objet, construction dans un espace, intemporel, sans références, où il n'existe ni la peur, ni la pitié, où l’on ne transforme pas les choses; où il y a uniquement le jeu qui nous submerge, qui nous encadre, qui nous guide comme les carreaux jaunes vers le monde de Oz. 

    Une œuvre pure, légère de bagages, sans ambages, sans effets spéciaux, jamais confondue avec le simple ou le naïf. Ses fonds très travaillés à base des différentes couches et techniques qui vont de la gravure jusqu'à l'impression sur papiers, et qui sont capables d'évoquer de différentes dimensions et profondeurs. Elle prend soin de ses compositions avec la difficile élection de situer l'objet pour atteindre l'équilibre de la composition et de ses formes. Elle ne nous parle pas du jeu infantile mais de celui de l'adulte, ou plutôt, du jeu que l'adulte rappelle, porté par la force de son propre cadre, et remémoré depuis une pensée littéraire et silencieuse.

    Gema Goig parvient à éclairer l'obscurité des fonds et à assombrir la clarté des objets, jusqu'à provoquer de l’inquiétude...

    - Jesús Lázaro Docio -
    Docteur en Histoire de l'Art et critique d'art 

  • GRABER Andréa


    Andréa Graber, créatrice du néo-naïf, vit à Paris.
    Elle a suivi les séances de pose à « La Grande Chaumière »
    et exposé chaque année depuis 2004 .
    Plusieurs de ses toiles ont paru dans le magazine « Univers des Arts ».
    Parallèlement à sa peinture, Andréa Graber a créé, dans l’atelier de Paul Flury, sculpteur et fondeur d’art, quelques sculptures
    et une série de licornes en cristal, de couleur différente,
    signées et numérotées de 1 à 7 .
    En fulgurance, des formes et des couleurs lui parviennent
    et c’est ainsi qu’elle réalise ses toiles.
    Andréa Graber a aussi réalisé à l’aquarelle, deux personnages poétiques.
    Actuellement, elle peint à l’huile sur de grandes toiles, des personnages romantiques, partiellement habillés ou nus, selon sa fantaisie.
    Andrea Graber expose au Grand Palais.

  • GROUARD Viviane

    Ancienne élève des Beaux-Arts de Versailles.
    Sociétaire des Artistes Français (médaille d'argent).
    Nombreuses expositions en France, en Italie ( Rome, Naples,Côme), à Beyrouth.

  • GULLIVER THOMPSON Jacquie

    Jacquie GULLIVER THOMPSON a étudié les Beaux-Arts,  et plus spécialement la peinture, à St Albans School of Art sous la direction d’Euan Uglow et de George Fullard.

    Ne voulant pas enseigner, elle est devenue graphiste, apprenant de première main les techniques de l’impression sur les presses de la Medici Society. Plus tard, elle a conçu et dirigé la création  de livres illustrés ( dessins et photographies) pour plusieurs éditeurs, dont Mitchell Beazley et Dorling Kindersley, sur des sujets aussi variés que les animaux, les avions, la mythologie et la danse. Pendant ces années  elle n’a cessé de dessiner d’après nature. Après, elle est redevenue peintre à plein temps pendant quinze ans jusqu’à sa mort fin 2007.

    Ses œuvres se trouvent dans des collections personnelles et publiques en France, en Italie, aux Etats-Unis et en Grande-Bretagne.

  • HAMOU Sylvie

    La couleur, les matières, le graphisme, voici mon fil conducteur. Ma quête artistique – créer des œuvres dégageant une énergie positive, et une personnalité à part entière.

    Expliquer mon art n’est pas ce que je préfère, mais ma créativité est clairement l’expression de mes origines, de mon être intérieur… la combinaison d’éléments et d’influences composant l’essence même de mon enfance.

    Née aux Antipodes, les  paysages sculpturaux de la Nouvelle Zélande ainsi que le travail à motifs répétés et géométriques utilisé par son peuple indigène et la technique du pointillisme des aborigènes d’Australie ont façonné mon regard. La cohérence visuelle et la composition de couleurs que je recherche sont certainement l’héritage de ma mère, et la rigueur géométrique et linéaire de mon travail vient sans doute de mon père, ingénieur suisse !

    J’ai volontairement travaillé sur deux collections graphiques et complémentaires – Influences des Antipodes mettant en scène des inspirations d’art primitif, et la Collection Contemporaine qui puise son énergie dans l’architecture et le design urbain.

    Dans ce monde un peu fou, à la fois pressé et stressé, ma plus grande satisfaction est d’entendre que mon travail est apprécié pour son style innovant et contemporain, mais surtout singulièrement serein et optimiste. Telle notre vie rêvée !

    Artiste cotée, Sylvie Hamou a participé à de nombreuses expositions collectives et en solo à Genève, Lausanne, Zurich, Paris, Avignon, Toulouse et Miami. 

    Sélectionnée sur concours international par Embler Art Gallery/ Floride, elle a exposé une collection de tableaux à JFK airport à New York pendant 9 mois (Juin2014  à Fév. 2015).

    EXPOSITIONS

    Galerie Art'et Miss - Paris - juillet 2015

    JFK airport - New York - juin 2014 à février 2015

    Manoir de Cologny - Genève - sept. 2014

    Cité du Temps - Genève - mai 2014


    Galerie En Beauregard - Montreux - mai 2014

    Lavoir Vasserot - Saint-Tropez - avril 2014

    Art Fusion Galleries - Miami/Floride - juillet à déc. 2103


    Rivoli Art/ Beauty Gallery - Genève - sept. 2013


    Nest gallery - Genève - sept.2012

    Galerie Tox’n’Co - Genève - mai 2012


    Swiss Art Space - Lausanne - nov. 2011

    ZurichArt International - Zurich - oct. 2011


    Swiss Art Space, Salon d’été - Lausanne - août à sept. 2011


    GalerieTox’n’Co - Genève - fév. - mars 2011


    Galerie de la Bouquerie - Avignon - juin à août. 2010

    Foire de Toulouse - Toulouse - mai 2010


    Espace Kaméléon - Paris - déc. 2009

  • HANIBAL Jiri
    C'est avec Marcel Proust que j'ai appris le français; avec une certaine vision de la France... où je trouve, même après vingt ans, que les émotions sont plus authentiques qu' en Europe Centrale. Né en1964 à Prague, j'ai toujours été attiré par le dessin et la peinture. Le chemin que je vais emprunter par la suite a quelque chose a voir avec l'héritage familial ... auquel je rajouterais une envie d'ailleurs, de liberté et d'ouverture. Après un bref passage à l'Académie du Théâtre de Prague, option scénographie, sans doute inspiré par les" figures parentales" (avec un père réalisateur et un beau père chef décorateur) , je commence à 20 ans à travailler dans les studios de cinéma de Prague, à Barrandov. Suite à ces premières expériences cinématographiques, je décide de rentrer à l'Académie des Beaux-arts de Prague. Parallèlement, je découvre la France qui représente pour moi l'ouverture, la culture, des "possibles" en quelque sorte... Aussi c'est tout naturellement que je poursuis mes études aux Beaux-arts de Marseille; et obtient un diplôme d'équivalence à l'Ecole des Arts Décoratifs à Paris. A cette époque, je m'intéresse beaucoup à la théorie des couleurs, avec Goethe et Wittgenstein: Goethe avec ses quatre couleurs de base qui inclut le gris et le doré en opposition avec Wittgenstein qui n'en considère que trois . Encore aujourd'hui, j'explore à l'infini dans chacune de mes toiles la palette des dorés et des gris... Peinture et cinéma vont donc aller de pair, se nourrissant mutuellement sans que cela soit une décision consciente. Chef-décorateur à Prague, j'intègre petit à petit des équipes françaises qui tournent dans les studios de Barrandov sur la célèbre série du "Commissaire Maigret". Je remonte alors l'échelle hiérarchique, j' apprend de nouvelles techniques de travail, une autre façon de travailler en équipe, un langage et les codes culturels qui vont avec. Aujourd'hui, j'ai la chance de pouvoir marier les "deux casquettes", celle d'artiste peintre et celle de décorateur. J'expose mes tableaux à peu près tous les deux ans, dans des galeries, entre la France, la République Tchèque et l'Allemagne... Quant aux projets cinématographiques, ils me permettent eux aussi d'entreprendre des voyages/aventures tant géographiques qu'esthétiques et humains...LE SENS DE MA PEINTUREUn de mes questionnements serait : Comment travailler avec « ne pas travailler avec ». Ici se situe, pour moi, le problème des séries; en effet, j’y vois une analogie entre la totalité d’une vie et une phrase achevée. Un tableau serait une chose définitive; voilà pourquoi terminer un tableau est si difficile. Quels lieux pour montrer les tableaux ? A qui s’adressent-ils ? En ce qui me concerne, je m’adresse à des individualités, au sein desquelles je cherche les points communs avec ma propre individualité. Le sens des couleurs : dorée ou grise, ou bien encore les deux? D’après moi, deux des couleurs suscitant le moins l’interrogation. Travailler « avec quelque chose ». Pourquoi pas avec l’outil « intimité » ? Que ce soit la mienne ou celle d’autrui. Bien au-delà de celle du « sous-vêtement ». Bien au-delà de celle de la peau. Ôter les différentes strates afin de reconstituer l’Histoire de l’émotion de l’individu.
  • HUBRECHT Anne-Camille

    Adepte du pinceau depuis sa petite enfance, Anne-Camille Hubrecht est aujourd’hui peintre à Paris. Elle signe ses tableaux « An’K », qui est en quelque sorte sa marque, sa griffe, déjà apposée sur ses plus jeunes dessins d’école.

    Travaillant principalement sur le sujet féminin, An’K a proposé dernièrement une série sur le thème du regard et de l’expression (portraits et autoportraits / Galerie Matières d’Art – Paris 3e). A l’affût de toute interprétation émanant d’un regard, Anne-Camille accroche le spectateur parfois de manière inquisitrice dans le but de générer une émotion, une interrogation, un état, une humeur (chacun s’y retrouve) : l’amitié, l’amour, les blessures, les songes, mais aussi les colères, les rêves, les doutes, les joies…
    Comme les erreurs, la peur, l’euphorie, le fantasme ou bien encore la passion… L’Humain en somme, doué de paradoxes à multiples visages.

    Brosses, éponges, couteaux et pinceaux s’attèlent ensemble à livrer les exutoires de l’artiste. Le choix de l’acrylique vient aussi servir son impatience, qui, rapide dans l’exécution, symbolise un instant qui se fige, le rendant palpable et furtif à la fois. Un arrêt sur image, un instant attrapé au vol…

  • IANNA Françoise

    Françoise  Ianna : " Artiste peintre, depuis 1998 , je m'installe au rythme tranquille du Sud. J'observe , j'écoute , et je pose mes couleurs passées et présentes sur ma toile. Mes huiles glissant aussi bien au couteau qu'au pinceau , paysages , fleurs , marines et portraits , tout y est passion."

  • INGRID

    Artiste belge.

    “La vie, ça bouge! “Du délicat et minutieux, de la fine plume aux coups de pinceaux bruts qui jaillissent, Ingrid tire le meilleurs profit de chaque outil, de chaque technique choisie au gré des humeurs, du moment, toujours au service de l’expression. Curieuse de nature, intéressée par tout, ses sujets varient en grande richesse. Elle explore, ne reste pas sur des rails”

  • JOSSIER Patrick

    Démarche

    "Comme Diogéne qui cherchait l'homme en tenant une lanterne à la main, le peintre se sert de son pinceau pour éclairer sa nuit intérieure"

    Recherche perpétuelle de l'homme et de sa destinée ; son évolution, ses métamorphoses, les passages de la vie et de la mort... beaucoup d'interrogations auxquelles je cherche à répondre en y intégrant une part d'imaginaire et de poésie.

    Un œil également sur le grand spectacle de la nature qui se réinvente chaque jour ...ces instants fugitifs colorés qu'elle sait si bien nous proposer..De même l'artiste ,dans sa démarche, doit se réinventer .

  • JUANCA

    Née à Toulouse d’ascendance française et espagnole. Etudie à l’Ecole des  Beaux Arts de Toulouse où elle est l’élève de Daniel Schintone et de Michel   Goedgebuer. Elle reçoit plusieurs Premiers Prix.

    Elle suit une formation à l’enseignement des Arts à l’Ecole Normale Artistique de Toulouse puis professe notamment à Saint – Girons, en Ariège, où le poète Gaston Massat l’incite à approfondir ses recherches picturales.

    Elle décline une proposition de poste à l’Ecole des beaux-arts de Toulouse du fait de son errance familiale. Elle séjourne à Téhéran, à La Haye et au Congo sans cesser de peindre et d’exposer. De retour en France, elle s’insère à nouveau dans l’activité artistique par des expositions personnelles et de groupe en France , en Suisse , en Italie et en Espagne

    Sa peinture est passée par des étapes différentes avant d' aboutir à l' abstrait après une assez longue période figurative où elle a notamment travaillé les effets de matière Le projet abstrait qu' elle développe privilégie l' émotion à la forme .Ce projet est influencé par les images de l' Univers révélées par les astrophysiciens  , images dont elle s' est imprégnée pour créer des tableaux qui ne cherchent pas à reproduire les formes et les couleurs du cosmos mais qui peuvent parfois les évoquer par hasard ou par intuition .

    Ses recherches se sont ensuite élargies vers le Noir et le Blanc en s' inspirant de l' interrogation de André Brahic 
    " A u bout de la couleur  ...... le noir  ?  " qui concerne l' astrophysique mais qui résume bien son approche après une phase très colorée .

  • JULVE Elena

    Jeune artiste d'origine portuguaise vivant actuellement en Belgique.

  • KALKIZOGLU Metin

    Metin KALKIZOGLÜ est né en 1986 à Eskisehr en Turquie.
    Il obtient son diplôme de peintre en 2014 à la Faculté des Beaux-Arts d’Anatolie.
    IL a des oeuvres dans de nombreuses collections privées et publiques.

    Il expose régulièrement en Turquie depuis 2012 et à l'international depuis 2014 (France, Espagne, Taiwan...)

  • KARAGÖZLÜ Savas

    Les peintures de Savas KARAGÖZLÜ

    Savaş KARAZÖGLÜ est un peintre qui crée depuis l’année 2000 son propre langage avec un amour, une persévérance et une détermination qui ne cesse de croître. Lorsqu’il commença son aventure de la peinture, il choisi pour guide Serdar LEBLEBICI pour se lancer et se développer. Puis l’artiste s’installe dans son propre atelier pour exercer son activité.
    Il n’a pas encore réalisé d’exposition, c’est une situation inhabituelle. Il vient à la rencontre des amoureux de l’art avec sa première exposition à la galerie parisienne Art’et Miss, cette attitude de l’artiste n’est pas liée à un manque de confiance au contraire c’est un signe de maturité. En effet, durant cette période, il a acquit un savoir-faire important dans son voyage pictural, en effet il a pris des notes et développé sa vision en observant les expositions et foires nationales et internationales, afin de mieux cerner son propre style. Nous observons un style abstrait qui met en avant l’anxiété picturale dans les œuvres qu’il peint sur la toile avec la technique acrylique.
    Il se concentre à la fois sur la nature et l’homme qui représente l’élément principal actif de la nature.
    Tout d’abord il réalise, puis dégrade et efface. Les éléments qui constituent le dessin disparaissent de notre perception pour faciliter notre compréhension d’ensemble. Il commence à simplifier le monde chaotique dans lequel nous vivons sur ses paysages et nous assistons à une communication spirituelle et profonde dans le décor imaginaire qu’il réalise. Lors de son exposition intitulée « Voyage Pictural – I », Savaş KARAZÖGLÜ fait allusion au monde externe et interne. IL se concentre principalement sur la situation indéterminée et intouchable du lieu et de l’image.
    La réflexion sur la notion et la relation entre ce qui existe et ce qui est en cours de réalisation est inéluctable.
    La richesse de la texture renforce le message transmis.
    Il expose une relation qui perçoit les processus comme la corrosion, la détérioration, l’usure et ses pouvoirs.
    Il expérimente le monde dans lequel il évolue comme un viseur avec la sensibilité d’un artiste pour nous obliger à penser.
    Ce qui est visible perd son sens et se transforme en une autre « chose » pour nous offrir l’occasion de nous libérer.
    Enfin, Savaş KARAZÖGLÜ utilise son pinceau avec une grande maîtrise pour exprimer sa spiritualité et son cœur afin d’atteindre une esthétique raffinée, il appelle à la réflexion sur ce qui se cache derrière la surface et nous invite dans sa propre aventure…
    Filiz PELIT

  • KATIA KAY

     Katia Kay  a toujours  travaillé la peinture à l’huile. Et ceci  même durant sa carrière d’écrivain-chercheur en sociologie politique, qui  l’a conduit à mieux comprendre le rapport entre l’œil du peintre précurseur et son implication dans les événements.

    Il se sera écoulé quelques années avant qu’elle ne franchisse le pas, et présente quelques-unes de ses toiles à un public encore restreint.

    En 2010, elle  se consacre plus intensivement  à la création d’œuvres picturales. Elle poursuit plus systématiquement l’étude  du jeu  des couleurs, toujours en peinture à l’huile. Son but  aussi  est d’entrer dans la vie des grands peintres du XXè siècle, pour mieux saisir  leur cheminement sur toute une vie, les lire, les suivre  pour comprendre de l’intérieur  leur recherche de progrès technique.

    C’est donc dans le prolongement de cette soif de vérité qu’elle passe du travail figuratif à l’art abstrait et contemporain. La peinture devient pour elle essentielle. C’est un langage qui exprime le jeu des  forces, des  formes et des couleurs, des vides et des pleins. C’est  cette matière à l’huile qu’elle  plie pour faire exulter la  vitalité du mouvement.

    L’art abstrait devient pour elle une source d’expression infinie, qui ne cesse de se rejouer sur les espaces entoilés.  Ce qui la conduit naturellement à  vouloir la communiquer, à la partager, avec …..un public multidimensionnel !!!!

    Le sens  de mon travail  pictural:

    La peinture n’est pas fixe. Elle se meuve dans l’air et sous le timbre musical des émotions colorées. Elle peut passer les saisons, être attachée à l’été, à l’automne ou à l’hiver, mais elle déploie ses ailes plastiques pour refondre le monde. Elle use et abuse de ses pouvoirs poétiques. Elle se dit forme mais capte au fond cette image intérieure, émotionnelle, indicible, informelle  qui règne en chaque « un de nous »  si particulier.

    Les traits signent l’indicible. Ils ne représentent pas, mais expulsent l’invisible, l’instant présent, l’émotion première.

    Katia Kay

  • KONURALP Cengizhan

    Cengizhan Konuralp est né en 1994 à Trabzon en Turquie.


    Il commence des études d’art en 2012 à l’Université Anadolu.

    Il expose dans des galeries, à Paris, ou en Grèce, et dernièrement dans le centre culturel Eskisehir Ataturk.

  • KONURALP Cengizhan

    Cengizhan Konuralp est né en 1994 à Trabzon en Turquie.


    Il commence des études d’art en 2012 à l’Université Anadolu.

    Il expose dans des galeries, à Paris, ou en Grèce, et dernièrement dans le centre culturel Eskisehir Ataturk.

  • K'TY

    Naissance de K’ty le 13 mai 1965 à Genève. 
    Après des études en architecture intérieure à Paris elle travaille principalement pour des agences de déco. Le chemin de sa vie professionnelle prend une nouvelle direction lorsqu’une opportunité la conduit vers la peinture décorative : Murs, mobilier et objets retrouvent une seconde jeunesse sous l’effet des patines, des trompe-l’œil et tant d’autres réalisations.
    Le besoin d’exprimer des sentiments plus profonds se fait de plus en plus ressentir et c’est sous l’impulsion d’une rencontre qu’elle peint en 2008 sa première toile : « sentir son cœur ».
    Dès lors ce moyen d’expression lui devient indispensable : Il est désormais le vecteur de ses pensées.
    Seule face à elle-même, La toile est le miroir devant lequel elle peint pour se connecter à ses émotions, pour apprendre à les gérer sereinement, à ne plus les craindre mais à les vivre pleinement et à les accepter. 
    La matière, la couleur, le mouvement, le dessin sont les outils qui lui permettent de matérialiser ses sentiments et ses émois et de visualiser Sa Pensée positive.
    Tout peut alors devenir sujet d’inspiration…un souvenir, une citation, une rencontre, un paysage, une chanson, un poème, un roman…. dès lors que cela déclenche en elle l’EMOTION….
    Peindre pour partager.
    Peindre pour parler.
    Peindre pour communiquer.
    Peindre pour trouver l’HARMONIE.
    Et tout à coup l’invisible émotion, après des jours, des semaines, des mois, se matérialise sur cette toile devenue miroir, le miroir de son âme.

  • KUNS Paloma

    Paloma Kuns, artiste-peintre originaire du Venezuela.

    Cette jeune femme connaît le pinceau depuis son enfance en participant à différents ateliers de formation, et guidée par des peintres de renom de son pays d’origine, tel que Luis Luksic.

    « Mes œuvres essaient de mettre en lumière le quotidien de la femme qui se bat chaque jour à donner un sens à l’humanité », précise, Paloma Kuns.

  • KURTULUS Cengiz

    Cengiz Kurtulus est  turc né en 1970 à Kayseri en Turquie.

    Il étudie à l'Université d'Anatolu dont il sort diplômé en 1998. En 2002, il est diplômé en sciences sociales de l'institut d'Art.

    Il travaille depuis 2004 à l'Ecole des Beaux-Arts à Eskisehir, ville où il possède également son atelier.

  • LAGNEAU Francis

    Après des études classiques puis techniques du bâtiment, je me lance de suite dans la musique en formant mon premier groupe à Liège en 1972  : Telegraph. Puis ce sera Moon in June, Climat et enfin le groupe Marketing Zo jusqu’en 1991, date à laquelle je serai atteint de mon affection neurologique, la sclérose latérale primitive et où je délaisserai la musique et mon métier d’entrepreneur du bâtiment pour la peinture.

    Celle-ci est déjà une passion dès mon adolescence, ébloui et tourmenté dès mes quatorze ans par les Primitifs Flamands, par leur inventivité et leur technique que je tâcherai de réinventer à chacun de mes tableaux. Parallèlement, les surréalistes m’interpellent, surtout Magritte, Delvaux et Dali dont j’apprécie la clarté et la technique. Ce n’est que plus tard que je prendrai conscience de l’importance des impressionnistes et que je mélangerai leur style flou à mes exécutions « à la pointe du pinceau » propres aux Primitifs qui ont été mes mentors. J’ai parcouru les musées d’Europe pour intégrer leur style dont je ne parviendrai jamais à me défaire.

    Je m’affuble du nom de symboliste, sans en être vraiment certain, à cause du fait qu’il y a toujours des vérités cachées (mais pas trop pour qui sait y voir) dans mes tableaux. En dehors de la beauté (à mes yeux) de l’image, mes toiles se veulent oniriques, elles se veulent une dénonciation à large spectre des misères de l’existence de l’homme, de leurs illusions, de leur lâcheté et de leur cruauté, ce sans vouloir moraliser car je ne m’estime pas meilleur qu’un autre.

     

  • LAROSE Louise

    Originaire de Montréal, j'ai grandi entourée d'un frère et d'une sœur artistes qui me transmirent très jeune un goût pour l'art. Une passion qui saura guider mes actions au fils du temps.

    Mon œuvre hétérogène, à la limite de l'abstrait et du figuratif témoigne de mes sources d'inspiration. J'intègre à mon art tout ce qui me fait vibrer : la nature, les voyages, la liberté mais aussi l'intuition et la pureté de l'émotion. Peindre, pour moi, c'est ouvrir une porte sur un univers intime. Je me sens menée par l'œuvre dans un processus dont je connais le point de départ mais jamais la destination.

    Après plusieurs années d'aquarelle et de dessin, je découvre bientôt l'infinie liberté qu'offre l'acrylique. Je donne alors priorité à la couleur qui dessine, sous mon impulsion, des coulées aux parcours multiples, des lignes, des formes qui s'installent sur la toile, se croisent, se superposent pour créer un imaginaire où mes peintures prennent pleine possession de mon univers. Je propose ainsi des jeux de lumière et d'émotions fortes, composés de mélanges contrastés. Enseignante en arts plastiques au secondaire, j'ai le bonheur de transmettre aux plus jeunes le feu sacré qui m'anime. J'ai l'ambition d'éveiller chez mes élèves, la fibre poétique de l'observateur. Au plaisir de vous accueillir dans mon univers.

    Louise Larose

  • LATIL-LEVY Véronique

    Née à Genève en 1962, j'ai toujours aimé la couleur et le mélange de matières onctueuses. Après un parcours professionnel "banal", un neurologue (un monsieur très sympa, gentil et compréhensif qui sait exactement mettre les mots sur les maux, en disant la vérité objectivement) m'a annoncé en mars 2006 que j'avais une sclérose en plaques. Une mobilité réduite m'a donc amenée à trouver une occupation permettant de voyager, de m'évader et de communiquer tout en restant chez moi, dans ma cuisine si lumineuse.

    Entièrement autodidacte, j'ai toujours ressenti l'appel de la couleur et de l'harmonie des formes. Cet appel est devenu beaucoup plus insistant depuis l'annonce de la maladie. Peindre est devenu indispensable, un mélange de plaisir intense et d'expression via mes couleurs si chaleureuses.

    Quand je peins, je suis à fond dans mon univers : la couleur, l'onctuosité, la douceur, le rêve, l'évasion, la communication, le partage... Lorsque je commence un tableau, je ne sais jamais comment il sera une fois terminé. A un moment donné, un titre m'apparaît soudainement : je sais que mon tableau est alors terminé !

    Mes couleurs de prédilection sont les teintes chaudes et je travaille à la peinture acrylique.

    Au début, je peignais uniquement pour mon propre plaisir ; différentes critiques positives m'ont amenée à participer à diverses expositions à côté de chez moi et sur Paris. A chaque fois que je vends un de mes tableaux, je ressens un pincement au coeur car c'est comme si une partie de moi s'en allait. Mes peintures sont un peu mes "bébés" car j'y mets toujours toute mon âme, mon énergie, ma joie de vivre, mon intimité, ma personnalité. C'est une éternelle mise à nu !!! Paradoxalement, chaque "départ" me procure également un sentiment de plaisir et de plénitude : qui fait la démarche d'acquérir une de mes oeuvres, apprécie et partage mon univers et je sais que mon émotion est passée.

    Le principal message que je souhaite passer est le suivant : ce n'est pas parce qu'on a une maladie grave que la Terre s'arrête de tourner. Il faut se battre et, surtout, aller au bout de ses rêves. Ne jamais s'écouter et ne jamais se plaindre, telle est ma devise. Je peux vous assurer que la Peinture vaut bien toutes les psychothérapies de la Terre !

    Véronique LATIL (Lévy)

  • LAURENCE Carole

    Démarche artistique

    Née à Montréal en 1955, de parents artisans de métier qui lui transmettent l'amour du travail minutieux et épuré, Carole Laurence évolue dans le milieu des arts depuis son enfance. Elle aime peindre et dessiner, que ce soit sur une toile, une murale ou tout autre support. C'est une passion qu'elle communique à d'autres par ses enseignements, que ce soit des cours ou des séminaires.
    Diplômée en arts plastiques, elle continue son perfectionnement par des cours de peinture, de dessin, de poterie et de joaillerie. Par ses expériences, elle explore plusieurs avenues toutes plus diversifiées les unes que les autres. Elle va de l'illustration de livres pour enfants, aux créations florales et aux cours de peinture.
    Une formation en fleuristerie lui fournit une meilleure compréhension du merveilleux monde de la botanique et l'aide à peindre ses sujets le plus fidèlement possible. Ce sont ensuite les petits animaux de nos forêts et sous-bois ainsi que les oiseaux qui l'interpellent; elle s'intéresse dès lors à l'étude des peintres animaliers qui deviennent pour elle un grande source d'inspiration. Artiste peintre animalière et naturaliste, elle s'émerveille de toute la beauté et la luminosité des couleurs chaudes de la nature et des animaux. Cherchant à faire voir ces derniers d'un oeil nouveau, elle s'approprie les éléments qui l'entourent et les réinterprète à sa manière, plaçant toujours l'animal qu'elle peint dans son milieu de vie. À travers ses paysages, elle fait ressortir le côté apaisant et reposant du milieu naturel. Par ses oeuvres, elle aspire, en toute humilité, à élargir les connaissances qu'ont les gens de la faune et de la flore.
    Depuis peu, sa recherche picturale s'est élargie et peaufinée à cause de son besoin de se renouveler et d'être moins ancrée dans une pratique dite "traditionnelle". Tout en utilisant ses médiums favoris, elle ajoute à ses compositions de nouveaux éléments lui permettant de créer des motifs qui rappelleront ceux présents dans la nature. À l'aide de fils, elle réutilise des matériaux naturels tels que plumes, roches, cuir, etc en rappel des éléments peints, et le fil sert de ligne directrice pour faire le lien entre les différentes parties. Entre eux s'enclenche un dialogue et une histoire nouvelle est ainsi créée.

  • LAVENDA Barbara

    née le 2 janvier 1970 à Champigny sur Marne (94)

    Vit et travaille à Caen                     

    Graphiste de formation et passionnée de peinture et de sculpture, j'ai eu un parcours qui a commencé dans les années 2000 mais a du s'interrompre pour des raisons personnelles. Je reprends mon activité de création avec passion et avec l'envie de partager...

    Ne pas tout dire pour que s'installe un jeu de création avec le regard...

    Jouer avec les formes, les lignes et former un univers onirique...

    Laisser insinuer en soi les bruits et les odeurs qui forment notre monde.

    Silence ou bruit, atmosphère de sensations visuelles et auditives, pour rencontrer un univers personnel dans une création...

    Mon travail est axé sur deux obsessions, l'homme et la nature ; avec toujours une volonté de travailler la transparence par tous les moyens pour que le regard soit le plus actif possible. En dire suffisamment mais pas trop pour que le rêve soit présent.

    Je mélange les techniques même si elles se rebellent : encres et huiles ; les mots peuvent en faire partie comme un langage visuel..

    Les formats sont de toutes tailles en fonction de ce qu'il y a à exprimer, intime, confidentiel ou se criant à tous vents.

    FORMATION

    2006 : Diplôme de professeur des écoles

    1992 : Diplôme d'illustratrice et de graphiste

    1990-1992 : École de graphisme et d'illustration I.S.C.O.M graphisme (Paris)

    1989-1990 : Année probatoire à l'école régionale de Beaux-Arts d'Angers

    EXPOSITIONS

    À venir 

    Projet Vanguard Visionaries New York USA

    2014

    Septembre Octobre : exposition collective  « la métamorphose » Galerie Crystal Racine (Montréal, Canada)

    2012

    Grand Événement d'Art Plastique à l'Atelier Balias (Écouché /Orne)

    2011 

    Grand Événement d'Art Plastique à l'Atelier Balias (Écouché /Orne)

    Printemps de la peinture à Épron (Calvados)

    2010

    Printemps de la peinture à Épron (Calvados)

    2001

    Librairie Les Feuillantines à Juvisy sur Orge (Essonne)

    Galerie LCT à Juvisy sur Orge (Essonne)

    Exposition collective au festival de sculpture de Montjean sur Loire (Maine et Loire)

    Marché de l'Art à Conflant Sainte Honorine ( Yvelines)

    2000

    Exposition personnelle à la galerie SAPO, Savennières (Maine et Loire)

    Exposition collective au festival de sculpture de Montjean sur Loire (Maine et Loire)

  • LEBLEBICI Çagla

    Née en 1990 à Izmir en Turquie, Cagla Leblebici est une jeune artiste pluridisciplinaire. Elle est étudiante à la faculté des Beaux-Arts de Dokuz-Eylül d’Izmir en Turquie.

    Elle a participé au festival international d’Arts Plastiques de Monastir en Tunisie.
    En 2016, il participe à l’exposition « Petites choses » à la Galerie Art’et Miss à Paris.

  • LE BRICQUIR Danielle

    Danielle LE BRICQUIR , vit et travaille entre la Bretagne et Paris

    Sociétaire du Salon d’Automne
    Membre de L'A.I.A.P. UNESCO

    Un peintre pour re-enchanter le monde

    « (…) je découpe dans un papier blanc innocent un oiseau blanc aux ailes déployées, et à peine si je souffle comme ça, il peut voler, fendre votre solitude, se poser sur votre table et vous regarder en camarade de ses yeux bleus qu’il s’agit maintenant précisément pour moi de peindre. »

    Yannis Ritsos, De la sincérité, Athènes, 4 novembre 1985

    "Il existe à l'intérieur de l'oeuvre de Danielle Le Bricquir cette quête permanente parmi leslieux d'enfance, les images de pureté originelle et de beauté native, l'art primitif, l'art populaire, les contes et légendes, les rites magico-religieux, les expressions vraiment enracinées dans une culture, dans un héritage historique..."

    Pierre Souchaud, critique d'art. Fondateur de la revue ARTENSION

  • LIKOS Nurdan

    Nurdan LIKOS est né à Sakarya en Turquie.

    Elle es diplomée de l'niversité de Marmara en 2011.

    Elle été primée lors d'expositions auxquelles elle a participé.

    Depuis 2012, elle expose régulièrement à la galerie Ilayda à Istanbul en Turquie.

    Elle a également participé à des expositions collectives en Italie, en Albanie, en Bosnie, et aussi en France.

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