Artistes (M à S)

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  • MABRIS

    "Artiste solitaire, je peins des aventures, j’écris des voyages, je plonge au fond de l’inconnu pour livrer  mon « moi… profond ».     Passionnée par la couleur, je revendique ma pratique « lyrique » par les formes, les mouvements et leur matière.     Mes peintures sont une expression poétique, l’enthousiasme incontrôlé actionné par l’artiste lui-même qui, au-delà du regard, invite au vagabondage de l’esprit, au voyage.

    L’abstraction est une émotion qu’on offre !"

                                                                      __________________

                                      

        MABRIS est originaire de Nantes (44) où elle vit et œuvre. Elle peint, sculpte et écrit des poèmes.

    D’un naturel créatif, elle entreprend un enseignement pendant 4 ans aux Beaux Arts de Nantes, tout en travaillant, et acquiert une base solide à partir de laquelle elle va construire son évolution.     Pendant 32 années, elle exerce une activité administrative, bien que sa nature l’appelle vers une autre destinée, mais elle continue à peindre et suivre des formations auprès de peintres de renom.     A 50 ans, le désir d’expression qui sommeillait en elle se réveille et elle interrompt sa carrière. Elle perfectionne ses techniques, tout en enchaînant les rencontres et les expositions.

  • MAI-CHARLES Thanh

    L'art m'accompagne depuis ma plus tendre enfance. Beaucoup de dessins de chevaux et de personnes à l époque en noir et blanc (fusain , encre de Chine). hui mes toiles se remplissent de rouges étincelants, de bleus glacés et d'ocres riches ; une passion de la couleur qui nourrit chacun de mes pinceaux .Après avoir exploré la danse, le chant, la musique, et effleuré le Bel Canto, je fus séduite par la peinture…
    Artiste peintre Française, basée à Dubai, je peins aujourd'hui pour moi-même mais aussi sur commande (privée ou publique), et enseigne à mon atelier.

    Collections privées en France, Angleterre, Emirats Arabes Unis, Singapour
                 

    Démarche de l'artiste

    Fusion d'une dimension profondément personnelle avec la conviction que l'art doit être partagé, mon travail jaillit d'une philosophie à la fois subjective et objective. Mes sujets évoluent au fil de mes émotions, inspirés par le monde qui m'entoure et la façon dont je le perçois. 
    Je décris mes peintures comme étant des interprétations de la vie, que je ne peux qu'aspirer à capturer, avec le sentiment que la création elle-même m'échappe.
    C'est avec humilité que je tente de rendre grâce à cette vie, cette nature qui m'a tant donné. On ne peut faire mieux qu'elle. 
    Vous verrez dans la grande majorité de mon travail, des images de personnages et d'animaux pleines de mouvement et de vie.
    Ma méthode de travail favorite consiste à jeter de l'acrylique et des encres sur une toile, jouer avec, les laisser jouer l'une avec les autres, laisser sécher… pour enfin peindre. Il est fort probable que mes origines Franco-Vietnamiennes cherchent à s'exprimer par cette technique spontanée et instinctive.
    Malgré la méthode très personnelle qui donne naissance à mon travail, le résultat final doit se présenter au public avec confiance.
    Car l'art reste incomplet pour celui ou celle qui se dit créateur, s'il n'ouvre pas le cœur de ceux qui le contemplent.
    Une forme, une couleur, une ambiance, un sujet, un son, suffisent à toucher l'âme de celui venu chercher une émotion.
    Dès lors l'art se partage et justifie enfin son existence. C'est ce à quoi j'aspire, avec mon art, toucher votre cœur sinon votre âme…

  • MARION Louise

    Louise Marion est une artiste peintre originaire de la région de Lanaudière, plus précisément de Joliette au Québec. Depuis toujours, elle est attirée par les arts sous toutes ses formes mais depuis plus de 25 ans, c'est a travers la peinture qu'elle nous fait découvrir sa vision de la vie colorée et éclatante. L'appel de la vie artistique étant plus forte que tout, elle vit aujourd'hui de son art et a établit son atelier de création a Valleyfield. Elle partage désormais sa passion avec les peintres figuratifs contemporains du Québec qu'elle côtoie régulièrement.

    Louise Marion puise son inspiration dans les petits moments de détente de la vie de tous les jours.  Elle parcourt les villes et les villages à la recherche de paysages et de scènes urbaines qu'elle enchâsse dans des compositions dans lesquelles elle fait éclater les couleurs et la lumière. Elle affectionne particulièrement les grands espaces inspirés de ses voyages en Europe, qu'elle transpose dans ses tableaux par une explosion de couleurs vives.

    Son style coloriste expressionniste est inspiré de plusieurs courants artistiques; le fauvisme, le cloisonnisme et le pop art. Sa signature à l'acrylique se traduit par une juxtaposition surprenante des couleurs complémentaires. Sa palette de couleurs, audacieuse et intense, contribue à animer ses paysages et ses scènes de rues, et fascine par l'harmonie qui se dégage de l'agencement qui en est fait sur la toile.  Ses tableaux dégagent des émotions de bonheur et respirent la joie de vivre!

    Ses œuvres sont  exposées dans plusieurs galeries d'art du Canada et à Paris et se retrouvent dans de nombreuses collections privées, corporatives et publiques. Elle cumule plusieurs expositions solos, collectives et symposiums de peinture au Québec, au Nouveau Brunswick et à l'étranger, notamment en Espagne et en France ou elle a été invitée à faire partie de délégations pour représenter le Québec. Elle a été nommée Présidente d'honneur de plusieurs symposiums de peinture du Québec. En décembre 2010, elle a été sélectionnée pour exposer au Carrousel du Musée du Louvres à Paris. En 2011, la revue Magazin'Art lui a consacré un article complet de 9 pages, consécration d'une passion artistique de plus de 25 ans.

  • MAS Alexandra

    Préconçue                         Alexandra Mas

    Nous sommes le fruit de nos gènes, de notre héritage culturel, de notre chemin parcouru, de nos rêves…et du regard des autres. Parfois, on nie et on fuit ce regard, on essaie de l’ignorer ou de le combattre. Mais, on peut aussi l’adopter dès qu’il nous flatte : alors, on l’utilise ! Ce regard, tantôt dénigrant ou valorisant, nous porte et contribue à notre évolution personnelle. Complexant, fragilisant ou envoûtant, blessant ou hilarant, je considère ce regard comme «un moi», «un autre moi» perçu à travers le prisme d’une autre personne, façonnée par sa culture, son héritage et ses expériences. Ainsi, nous nous retrouvons au fil de nos rencontres comme des œuvres d’art intimistes à la lisière de  l’incompréhension. Saupoudrez d’un peu d’ignorance et d’intolérance… et vous obtiendrez les idées préconçues ! « Préconçue » est une série d’autoportraits pictographiques à travers laquelle j’illustre de façon militante, grâce au ridicule et au kitch, les étiquettes que la société colle sur l’image des femmes.  Après plusieurs années de recherche dans différents milieux sociaux, j’ai isolé douze sujets d’expérimentation artistique, tous témoins d’une époque absurde et contradictoire !                                                  

     

          “La  scénographie des oeuvres, invite le visiteur à être acteur. Participer à les transformer, classe certains de ses travaux dans une sorte de performance, puisque l’artiste est présent en autoportraits. Ou plutôt l’art participatif, d’où la générosité de l’artiste et son recul face à la possibilité de salir son image. Un bac de peinture acrylique est placé devant la “Diva” afin que chacun puisse la «salir» et jouer l’action-painting tel un Jackson Pollock moderne. Salir son image note un réel retrait d’Alexandra Mas, puisque les touches finales ne lui appartiennent plus.

     

    “Je pense donc je suis” invite, sur les pages blanches du magazine Préconçue, le visiteur à y déverser sa verve poétique.

     

    Une oeuvre diffère de ce plongeon égotique : ”Nous”, travail anthropologique regroupant une trentaine de portraits de femmes s’auto-décrivant. La force de cette oeuvre réside dans leurs messages où elles se décrivent telles qu’ elles veulent être perçues. Depuis l'origine du projet, l'artiste s'est entretenue avec toutes ces femmes venues de différents univers, en découvrant beaucoup de souffrances non exprimées et des sujets tabous. Ces femmes merveilleuses sont souvent des victimes silencieuses. Vers la fin du travail plastique Alexandra Mas a ressenti un fort besoin de les sortir de ce silence. Ce mur des visages de l'entrée de l'exposition en donne immédiatement le ton. 

     

    “Tous mes moi” est une installation d’une trentaine d’autoportraits, un vrai jeu de peaux. Une question plane « si j’avais un emballage différent, comment serais-je perçue ?»  Dans cette installation, on découvre  “Cœur”, photographie et peinture sur métal et “Ego”, sublichromie sur métal et mosaïque de miroir, œuvre qui implique les spectateurs qui s’y reflètent, lisant des textes sur l’égocentrisme et la perversion narcissique. Le tout est accompagné par une oeuvre sonore, composition de Mike Altrin et paroles de l’artiste.

     

    Ce sont ici des descriptions de certaines des oeuvres à découvrir parmi d’autres dans l’exposition. Préconçue offre une déambulation dans le moi profond de sa créatrice. Loin d’un travail simplement nombriliste, Préconçue est un voyage au coeur même de l’atelier interne d’un artiste femme.”       

    Jean Deulceux Conférencier et critique d’art

        

    Le son par Mike Altrin & Vlad Sturdza

    Nous avons joué avec la musique générative pour offrir une dimension méditative au projet. Cela affecte les ondes cérébrales avec des effets psychologiques subtiles. Cette exposition porte un message personnel profond, beaucoup forment des idées préconçues sans même s’en rendre compte. Nous avons voulu les amener dans les profondeurs sombres de leur subconscient, là où les démons vont surgir. Dans un langage profane on pourrait dire que cette musique n’est qu’un bourdonnement infernal.

     

    Pour les textes, on va découvrir cinq niveaux: celui de la femme puis quatre observateurs que Mike Altrin a nommés les quatre juges : la voix Amoureuse, la voix de la Haine, la voix Novice (celui qui s’observe lui-même à travers la vision d’autrui) et enfin la voix du Cœur, liée directement au portrait du même titre.

     

    Mike Altrin, artiste écrivain, compositeur et musicien, a déjà enregistré trois albums studio et donné des concerts, des galeries intimes aux clubs de rock et aux scènesdes festivals.  Attaché à ses expérimentations conceptuelles, Mike Altrin est passionneé par la réunion des univers, des styles, et la fusion des artistes.

    mikealtrin.com          soundcloud.com/mike-altrin

    Vlad Sturdza, musicien compositeur, est membre ou collaborateur de groupes de new wave, électronique et d’avant-garde, tels que Nu & Apa Neagra, Arc Gotic et Thy Veils. Vlad Sturdza expérimente avec des styles de musique différents, du rock 80’s aux créations ambientales.

    soundcloud.com/vlad-sturdza

     

    Grâce aux talents des personnalités suivantes, j’ai pu réaliser ces œuvres et je les en remercie sincèrement:

    Stylisme : Eric Tibusch Haute-Couture Paris (tibusch.com)

    La joaillerie de  By Flavie place Vendome (byflavie.com)

    Maquillage : Mariana Miteva (marianamiteva.com)

    Stylisme cheveux et perruques : Harold James (haroldjames.net)

    Oeuvre sonore « Tous mes moi » : Mike Altrin et Vlad Sturdza

    Communication : Red Collector (redcollector.com)

    Enfin, mes chaleureux remerciements au Studio Photo Bésikian  (besikian.net)

  • MAY

    May JÖRGENSEN est née à Oslo en Norvège.

    Elle suit l'enseignement de l'Académie d'Art pour enfants de 6 à 16 ans puis les Beaux-Arts d'OSLO de 18 à 21 ans.

    Elle a suivi l'enseignement de Mosebenn, artiste peintre norvégien.

    Aux Beaux-Arts, elle cotoie  ODD NERDRUM, devenue artiste mondialement reconnue, qui lui fit découvrire la galerie Tonne à Oslo.

    Elle quitte ensuite la Norvège pour s'installer en France, à Paris, ou elle fonde une famille tout en continuant la peinture.

    Elle vend par l'intermédiaire de réseau, mais son dernier fils, artiste en films 3D, la poussera vers les galerie ou elle trouve légitimement sa place.

  • MILITON Jorgelina

    Jorgelina MILITON est née le 09 juillet 1965 à Bahia Blanca, Argentina. Après son baccalauréat, un séjour aux Etats-Unis et quelques années à l‘université en Géologie, elle rejoint l’école des Beaux-Arts où elle sort diplômée en 1991. Elle expose régulièrement ses peintures et ses dessins et commence à voyager en Europe. Elle fini par s’installer en France, achève ses études universitaires à Paris et continue à exposer ses peintures. Avec l’arrivée de ses enfants, elle commence à explorer l’univers de l’illustration enfantine. Elle participe en tant que membre de la Maison des illustrateurs à des nombreuses expositions collectives et animations autour de l‘illustration. En 2006, elle obtient le prix d’illustration « Ouvrez, ouvrez les livres aux bébés » organisé par le Conseil Général du Puy-de-Dôme, qui lui permet de voir son premier album publié. En tant que peintre professionnel, elle a obtenu en 2007 le prix « Mai des créateurs », organisé par le Centre culturel de la ville d’Orly. Elle est membre d’ ADA (association des dessinateurs/ illustrateurs d’Argentina) et de la Maison des artistes.

  • MOREUX Laurence

    Née au coeur du Berry en 1964, je quitte ma province pour entrer à l’École
    Nationale Supérieure des Arts Décoratifs à Paris. Je m’oriente vers la communication mais c’est le monde de la mode qui m’accueille.
    Après plusieurs années de stylisme pour le Prêt à Porter et la Haute Couture au sein d’une société japonaise à Paris, je rejoins l’entreprise familiale en province.

    En 2005 tout bascule et je renoue avec une passion de toujours : la Peinture.
    Encouragée par des artistes, j’ose exposer mon travail et la magie opère.
    Ma façon de peindre, je la compare à une randonnée, peu importe le bagage, je n’en
    connais jamais la durée. La route est laborieuse, sinueuse, parsemée de joies, de
    souffrances et de rêves. La couleur, le geste et la matière sont mes guides mais aussi
    mes combats.
    Je vous propose de découvrir quelques unes de mes toiles, théâtre de l’expression de
    mes émotions, de mon imaginaire et de ma sincérité évoquée en toute liberté.


    Revenir à la Peinture...
    Pendant des années cette passion a été paralysée par les exigences d’une
    vie professionnelle et familiale intense. Si je ne trouvais plus le temps de
    peindre, je continuais de fréquenter musées, salons et galeries d’Art, travaillant toujours le dessin, à la recherche de matières et de couleurs liée à
    mon métier de styliste.
    En 2006, plus disponible, le plaisir de me confronter à nouveau à cette Art
    s’impose comme une évidence. La maturité, la curiosité et le doute ne me quittant jamais dans la création m’ont permis d’oser reprendre ce pari.
    Les toiles ont envahi peu à peu mon atelier et comme avec ses propres enfants, un jour, il faut les laisser s’échapper pour qu’ils progressent...
    En juin 2008 l’aventure commence, je présente mes premiers tableaux et
    l’accueil m’encourage à continuer mes recherches.

    «Mes toiles deviennent l’espace d’une liberté retrouvée»

    Ne voulant se rapprocher d’aucun mouvement artistique en particulier, je travaille à l’instinct et des influences multiples accompagnent mon travail vers des techniques et des orientations différentes. Je fais peu de séries, comme si
    je voulais rattraper le temps perdu, j’ai plaisir à m’égarer dans la diversité tout en conservant ma personnalité. Abstraction figurative, figuration abstraite peu importe, ma peinture se réclame avant tout d’une réflexion intérieure.
    Mes outils sont divers et sans cesse j’en cherche de nouveaux. Je m’entoure de
    mes couteaux, pinceaux, tubes, pigments et autres matériaux qui me rassurent
    puis j’applique la matière d’un geste spontané avec énergie.
    Je travaille la vibration des couleurs, les superpose, les scarifie, tente de trouver le rythme et la lumière qui composera au mieux mon intention. Je n’invente rien, je cherche seulement à traduire mon imaginaire imprégné d’une puissante réalité.
    Rêvant enfant d’être archéologue, j’aime l’empreinte du temps et ses traces.
    Chaque fois que je peins, j’entreprends un voyage, j’explore de nouveaux passages

  • MOURIER-CASILE Pascaline

    Universitaire, spécialiste de la Littérature Française des XIX° et XX° siècles (et plus particulièrement du Surréalisme), passionnée dans son travail d’enseignante, de chercheuse et de critique par les rapports de la littérature et de la peinture, par les résonances qui se trament entre les mots et les images, Pascaline MOURIER-CASILE (après avoir longtemps fait métier de la parole et de l’écrit) a un jour éprouvé le besoin de tenter à son tour l’aventure de la forme, de la ligne et de la couleur, celle d’un ailleurs des mots…

    Depuis une vingtaine d’années, elle produit -épisodiquement d’abord puis de façon plus constante- des images peintes, jardin secret qu’elle a longtemps gardé par devers elle. Jusqu’à ce qu’elle se décide, ces toutes dernières années, à les donner à voir.

    Car ces images peintes sont avant tout pour elle des pièges, tendus par le hasard et par le désir, où viennent fugitivement se prendre ( et prendre forme dans un espace enfin maîtrisé et, donc, rassurant) les proliférantes « bêtes de l’esprit », inquiétantes ou grotesques, hideuses ou charmantes.

  • MOYA Beatriz

    Artiste franco-espagnole, Beatriz Moya participe à de nombreuses expositions personnelles et collectives en France et à l’étranger (USA, Maroc, Turquie, Italie, Canada ….)

    Elle obtient le Prix Arts Plastiques 2011 délivré par El Colegio de Espana à Paris et la Chambre Officielle de Commerce d’Espagne en France.

    Son univers est dominé par le rouge, tous les rouges, du carmin violacé au rouge orangé. La lumière est l’une des composantes essentielles de l’œuvre de Beatriz Moya qui surgit de la réunion de plusieurs couleurs phares. Celles-ci confèrent à ses toiles une dimension propre et singulière qui font de ses tableaux des pièces uniques, où la personnalité de l’artiste s’impose et devient facilement reconnaissable.

    Mais le rouge ne sort pas, à proprement parler, du pot de peinture. C’est un rouge que l’artiste créée elle-même mais qui se défend d’être une couleur agressive. l’artiste travaille ses couleurs afin de proposer un rouge unique, les couleurs mêmes créent la forme et le mouvement.

    Chez Moya, les affinités spirituelles sont étroitement liées à la propre mythologie de l’artiste, à sa vie et sa culture hispanique. Contemporaine, elle nous livre une peinture gestuelle qui prend véritablement possession de l’espace et où s’interfèrent deux fondamentales humaines telles que la vie et la mort qui enrichissent indéniablement cet univers si particulier. Son art repose sur cette altérité propre à chaque artiste qui cherche à interpeller les spectateurs et à leur donner une autre vision de cette couleur rouge trop souvent jugé “violente”. Passionnelle serait l’adjectif le plus approprié.

    Dernièrement, sa recherche se porte sur le carré, plus exactement le carré parfait.

  • ÖZGÖÇEN Pelin

    Pelin ÖZGÖÇEN est née en 1979 à Istanbul.
    Elle obtient son diplôme dans la section dessin à l'université des Beaux-Arts de Mimar Sinan en Turquie et en 2006 dans la même université son master. Elle poursuit actuellement un doctorat dans cette même section Dessin.
    Actuellement, elle occupe un poste d'expert en restauration et conservateur des oeuvres d'art à l'université des Beaux-arts de Mimar Sinan.
    Parallèlement, elle travaille la peinture avec une démarche sur l'image de la femme, la beauté et l'idée de personnalités multiples.

  • ÖNDER Asli

    Asli ÖNDER est née en 1975.
    Elle est diplômée de l’université de Bilkent à Ankara en Turquie et est interprète en Français et en Anglais.
    En 2000, elle commence à peindre à Izmir et poursuit ses travaux avec plusieurs artistes à Istanbul.
    Elle participe à plusieurs expositions à Istanbul et Ismir. En 2012, elle commence à travailler avec Serdar Leblebici et fait parti d’une exposition de groupe à la Galerie Art’et Miss.
    En 2015, elle est sélectionnée pour la Biennale Internationale d’Izmir.
    En 2016, elle participe à l’exposition de groupe « Petites choses » à Eskisehir.
    Aujourd’hui, elle a son atelier à Izmir, son travail est essentiellement basé sur les portraits.
    Elle pense que les pensées et les mots ont une énergie dynamique, que les substances et les formes ne sont pas vides, qu’elles sont aimantées. Elles attirent ce que l’on pense ou dit. Ses portraits reflètent l’énergie et les émotions.

  • POISSON Jean-Pierre

    Après une formation de base à l’Ecole des Beaux Arts, Jean-Pierre Poisson travaille avec un peintre chinois qui le forme à la calligraphie et à la peinture chinoise. Son attirance pour les pays étrangers le fait voyager durant vingt ans, d’Orient à l’Europe du Nord, d’Afrique aux Amériques. Il s’imbibe des cultures locales et fréquente divers ateliers de peintres.

    Jean-Pierre Poisson nous transporte dans des paysages incertains à la frontière de l’abstrait et du figuratif qui permettent des déchiffrements infinis. Il utilise des pinceaux chinois qui lui confèrent un langage plastique très personnel, contraste de transparences et d’épaisseurs, dans une large palette de couleurs.

    Jean-Pierre POISSON puise son inspiration dans l’émotion du moment de la même façon qu’il improvise ses morceaux de jazz au piano : improvisation totale, liberté d’expression complète sans esquisse préalable et même recherche de l’harmonie.

    Jean-Pierre Poisson a réalisé en 2003 une exposition personnelle exclusive a la Conférence Internationale « Mediterranean Forum » organisée par José María Aznar, Premier Ministre espagnol, à laquelle participaient les Chefs de Gouvernement des pays riverains de la Méditerranée.

    Il a été invité à plusieurs reprises, avec le peintre Robert Combas, les couturiers Christian Lacroix, Sonia Rykiel et d’autres personnalités du monde de l’art à peindre une assiette vendue par ARTCURIAL, au profit de l’association Action contre la Faim.

    Il effectue régulièrement de nombreuses expositions en France et à l’étranger ainsi que des ventes aux enchères à l’Hôtel Drouot à Paris.

    En décembre 2012, Me Cornette de Saint Cyr, célèbre Commissaire-priseur qui fait autorité en Art Contemporain, l’a invité à l’Hôtel Drouot à Paris, à une vente prestigieuse (Vlaminck, Cocteau, Nicky de Saint Phalle, César, Dali, Buffet, Warhol…) où deux tableaux ont été vendus au-delà de leur estimation. En novembre 2013, il réalise une vente chez TAJAN, à Paris, au cours d’une vente Art Contemporain (Basquiat, Botero, Arman, Cesar…) où un tableau de Basquiat a atteint 1,4 million d’euros.

    Jean-Pierre Poisson

  • PUYNESGE Catherine

    Les années d’apprentissage

    De 1955 à 1975 environ, Catherine Puynesge travaille sous la direction de sa grand-mère, fait la connaissance d’artistes peintres et apprend à regarder les peintures contemporaines, principalement celles de l’Ecole de Paris. 
     

    Les influences
    A la fin des années soixante, alors qu’elle étudie le russe à l’Ecole des Langues Orientales, elle découvre les peintres de l’Avant-garde russe grâce à sa répétitrice de russe, Valentina Vassutinsky-Marcadet qui rédige à cette époque une thèse sur ce mouvement pictural.

    Puis, lors de nombreux séjours en Union Soviétique pour raisons professionnelles, elle a l’occasion de voir des œuvres et de rencontrer des peintres de l’underground russe.

    Pendant toute cette période, elle continue de peindre des paysages de Provence ou de Bretagne et se dégage petit à petit du motif pour aller vers des représentations de plus en plus allusives.

    Lors d’un séjour à Pékin, entre 1984 et 1987, elle découvre la peinture chinoise et s’essaye à cette pratique sous la direction de son professeur. Elle ne tarde pas à comprendre que la maîtrise des techniques de cette peinture est hors d’atteinte pour qui ne dispose pas d’années d’entraînement. Elle continue néanmoins à s’initier au style « shan shui » et, parallèlement, s’efforce de transposer dans ses peintures à l’huile les préceptes des grands maîtres de la peinture chinoise dont la connaissance lui est facilitée par l’extraordinaire érudition des livres de François Cheng.
     

    Le travail pictural
    A partir de 1995, Catherine Puynesge se consacre exclusivement à la peinture, explore les voies que lui ont ouvertes la fréquentation des ses peintres préférés et commence à prendre part à des expositions collectives ou à organiser des expositions privées.

    Basé sur des jeux de matières, son travail s’oriente vers l’abstraction et combine les influences dont elle s'est imprégnée pour créer un monde pictural personnel où la forme géométrique tient une place prépondérante et où l’espace se déploie dans des perspectives lointaines. 
     

  • RASPINI Danielle

    Danielle Raspini a suivi une formation aux Beaux Arts de Macon puis à l’Ecole de Tissage de Lyon. Cette artiste a une manière bien à elle d’aborder la peinture d’aujourd’hui. Elle fait en effet appel aux robes traditionnelles portées par les femmes du pays d’Arles lors des grandes occasions. Ainsi, elle apporte à notre société ultra connectée et contemporaine, une pause apaisante au goût méridional au plus près de nos racines culturelles.

    Alors que nos traditions tendent à disparaître, cette artiste nous rappelle combien celles-ci sont importantes, et si elles appartiennent au passé, elles devraient comme au Japon se mêler à notre présent et à notre futur. En effet, les cultures traditionnelles conservent tous les secrets de l’humain et en particulier celui de savoir vivre ensemble.

    Elle nous dévoile donc une image de la féminité venue d’un autre temps, mais qui ne perd pas pour autant de son charme. On sent bien l’influence du Japon et de son amour pour la mode, d’où elle en tire une grande poésie. Par son réalisme, son dessin délicat à la technique confirmée et ses couleurs lumineuses et chatoyantes, son style se rapproche de l’hyperréalisme ou de ce que l’on pourrait définir d’un néo-préraphaélisme.

  • RICCA Elvio

    Elvio Ricca et sa peinture

    L' artiste peintre Elvio Ricca est né a Rho/Milan (Italie) le 9 mars 1954. Depuis 1976 il vit en Suisse romande.

    Autodidacte et expérimentateur, il a commencé a peindre a l' âge de 17 ans. Jusqu’à ce jour, il a conservé le regard de l'enfant qui découvre et s’émerveille.

    Il voit au-delà de la surface opaque des choses, et il cherche sans fin la perfection : celle de la vie originelle.

     Son cheminement artistique commence par le figuratif. Il passe ensuite par une approche du surréalisme et de l'abstrait, pour aboutir à la recherche de l' harmonie dans la sphère. Son but est de fournir un corps à une idée.

    Il ne se refuse rien afin de s'exprimer et d’apprendre, jusqu'à aboutir à ce que nous pouvons considérer comme sa clé vibratoire : la séquence de formes flexibles, sinueuses, avec la sphère toujours présente. Sphères qui absorbent ou rayonnent la lumière, comme des petits soleils, comme un appel mélodieux à la Vie, à l'harmonie, à quelque chose qui reste immuable dans le temps.

    Véronique Attinger

  • RIEGER Dominique

    Dominique Rieger, née en 1944, remarquable assistante sociale de son métier (son dernier poste fut de l’être auprès des Compagnons de la Libération), a tous les talents : couturière hors pair, brodeuse, ébéniste et, depuis plus d’une décennie, créatrice d’icônes réalisées selon l’authentique technique des icônes byzantines dorées à la feuille d’or. C’est dans l’atelier d’Hélène Iancoff puis avec Jérôme Lescure qu’elle a appris à « écrire » ces icônes. Sans doute a-t-elle hérité de son père – qui faisait des maquettes de navires dignes d’être exposés dans les plus grands musées de la marine – son goût pour le travail artistique minutieusement accompli et de sa mère son extrême générosité.

  • ROY Andrée

    Femme passionnée, Andrée nous transmet beaucoup de son énergie dans chacun de ses tableaux. Ces derniers traduisent merveilleusement bien ses émotions et divulguent une partie de son âme et de son amour pour la vie ! Empreints de culture, de souvenirs de voyages, de sourires et de clins d'oeil, ses oeuvres hautes en couleurs, d'une texture particulière et d'une luminosité singulière sauront vous toucher et vous communiquer des sentiments des plus heureux et positifs.

    Ce qu'elle désire le plus? Toucher le coeur de chacun 
    et transmettre une étincelle de son bonheur dans chacune de ses oeuvres !

  • SAINT-GIRONS Anne

    Anne Saint-Girons est artiste peintre. Elle exerce son activité dans un petit village des Pyrénées Atlantiques, face aux montagnes. C'est là, dans l'ambiance feutrée et chaleureuse de sa maison en bois, qu'elle trouve la sérénité pour peindre la vie.
    Elle fait naître une peinture au style très personnel, hors du temps, très dessinée, de plus en plus colorée, où les modelés contrastent avec les aplats, où les méandres des lignes et des courbes s'entremêlent.

    Son premier choc esthétique date de l’enfance, face à une vue de Pompéi. De là cette soif de découvertes artistiques qui ne la quittera plus et l’amène très jeune à se passionner pour le dessin et la peinture qu’elle pratique assidument. 
    Sa formation à l’Ecole du Louvre, dont elle obtient avec mentions les diplômes en Histoire de l’Art et Muséologie,  ces années à arpenter les musées la marquent d'une empreinte indélébile.

    Dès lors, on peut dire que ses influences sont multiples et foisonnantes, même si c’est à la croisée des XIXème et XXème siècles qu’elle fera des rencontres prépondérantes pour sa propre expression picturale avec des artistes comme Gustave Moreau, Odilon Redon, Auguste Rodin ou Gustave Klimt.

    Personnalité sensible, Anne porte spontanément sur la réalité un regard très personnel, centré sur les problématiques de l’être au monde, des liens entre personnes, de la transmission ou du temps qui passe. Ses tableaux se situent à l’échelle de l’individu. Toujours figuratifs, ils sont peuplés de nombreux personnages dont les corps, autant que les visages, reflètent sentiments et pensées.

    Peindre, faire naître sur la toile des êtres qui tout à coup s’animent : voilà son plaisir sans cesse renouvelé, son grand émerveillement, sa nécessité !

    Exposition permanente
    Galerie Arts et regards/Bordeaux-Pessac(33)/depuis septembre 2016

    Expositions personnelles
    2017 /mai/Petit Bonheur d’argent/Pau(64)
    2016 /novembre/avec R. Faivre-Monzo, sculpteur/Bordeaux-Bouliac (33)
    2016 /avril-mai/« Sans fards »/avec R. Faivre-Monzo/Sauvagnon (64)
    2016 /mars/Studio Baert/Angers (49)
    2016 /janvier/entreprise Apesa/Pau (64)
    2015 /mai-juin/« La Quadrature du cercle »/mairie de Monein (64)
    2015 /avril/expo-concert/église Saint-Michel de Gélos (64)
    2015 /mars /expo-concert/conservatoire de Pau (64)
    2014 /novembre-décembre/société Exameca/Serres-Castet (64)
    2014 /juillet-septembre/ brasserie royale/Pau (64)
    2014 /fevrier-mars /« Corps et âmes »/mairie de Gan (64)
    2012 /décembre /« Pour un voyage en couleurs »/Atelier S/Pau (64)
    2012 /mai-septembre /Musée d’art sacré/Verdelais (33)
    2009 /décembre /Atelier du Cami Salié/Pau (64)

    et de nombreuses Expos collectives

  • SALA Michèle

    Artiste peintre française, vit et travaille à Caen. Peinture géométrique

  • SCHMELZER Heidi

    Une scène de rue à Paris, des consommateurs dans un bistrot parisien ou un village de Provence... Heidi Schmelzer peint avec l`amour des détails et des couleurs vives des moments heureux et paisibles de la vie quotidienne. Cette artiste vivant à Bâle et en Allemagne du Sud a trouvé dans la peinture naïve sa façon de représenter harmonieusement l`homme dans son environnement. Son but n`est pas de faire miroiter un monde parfait, mais de reproduire des instants réels sous une  autre perspective. Souvent les tableaux nous rappellent les beaux instants de la vie de chaque jour. Dans ses images, chacun peut partir à la découverte de la sérénité.
    Sa formation de décoratrice a développé sa créativité picturale. Après la naissance de ses deux enfants, elle décide de se concentrer davantage à la peinture. Ces tableaux ne plaisent pas seulement à sa famille et son entourage. Depuis 1982, elle prend part régulièrement à des expositions, telles que: à la Galerie ProArte de Morges, à l’Exposition Mondiale des Artiste Naifs à Bratislava, ou à la Galerie Naif à Paris.
    Aujourd`hui ses enfants sont adultes et la peinture est devenue son métier.
    Depuis l’an 2000, publication d’un calendrier aux images de Bâle ainsi que de livres pour enfants. 2005-2008 des cartes de Noël pour UNICEF, et chaque année un calendrier de l’avent.

  • SEGHERS Walter

    "Peindre c'est pour moi l'ultime moyen pour réaliser les idées qui existent dans mon esprit.
    Peindre, c'est une passion!
    Après une période classique et une période plus moderne, je suis arrivé dans ma peinture d'aujourd'hui à un art concret. L'art concret ne doit pas être sentimental, nationaliste ou romantique, l'art doit être le produit d'un esprit rationnel, l'art doit être une identité en lui même, un synonyme de l'abstraction géométrique.
    Dans toutes mes créations, je fais usage de formes géométriques, surtout le carré. Le propre sentiment asiatique doit être exprimé par des figures simples aux couleurs pures! Le but est de créer dans ce monde digital et mécanique une image de tranquillité qui invite à méditer"
    Walter Seghers

  • SELIM Arda

    Samed Arda SELIM est né en 1990 à Istanbul.

    Il est diplomé en 2012 de la Faculté des Beaux-arts de l'Université d'Anadolu en Turquie. Il poursuit en master en 2013.

    Il a présenté des expositions personnelles à Ankara et Eskisehir ainsi que de nombreuses expositions collectives en Turquie et à l'internationale à Paris, au Carousel du Louvres avec La Société Nationale des Beaux-Arts et à la Galerie Art'et Miss.

  • SETCHENSKA Elitsa

    Elitsa Setchenska est née à Sofia, Bulgarie. Pendant son enfance elle a participé dans des ateliers des peintres bulgares et elle a gagné des concours de dessins et des arts décoratifs. En 2003-2004 elle a participé dans l’atelier de peinture et de dessin graphique vers VIAS (Université d’Architecture à Sofia). De 2004 à 2006 elle a fait des études en Architecture à Vienne, Autriche. Pendant ses études à l’Université technique de Vienne l’une de ses peintures graphique a été choisie pour participer dans l’exposition de la promotion. En 2007 elle s’est inscrite à l’Université de Strasbourg où elle a fait des études en Arts Visuels, ensuite en Arts Visuels - Arts Appliqués et Scénographie.

    Pendant ses études à l’Université deStrasbourg elle a fait des stages au Théâtre National de Strasbourg, au TJP de Strasbourg, aux Ateliers de l’Opéra National du Rhin. Parallèlement avec la scénographie et les arts appliqués Elitsa a continué son activité en tant que peintre et artiste. En 2013 elle a participé en tant qu’assistante-scénographe à la pièce « Les Bulles » de Claire Castillon présentée au Théâtre Marigny de Paris. En avril -mai 2013 Elitsa Setchenska a travaillé en tant qu’assistante-accessoiriste de l’opéra « Don Giovanni » mis en scène par Stéphane Braunschweig au Théâtre des Champs-Elysées. En mai 2014 elle a créé la scénographie pour le concert de la chanteuse Hrista.

  • SHESTAKOV Vladimir

    Vladimir SHESTAKOV : Le peintr migrateur...

    Il n'est lié à aucun lieu, mais il s'attache à s'imprègner au maximum de chacune de ses haltes pour les retranscrire dans ses oeuvres. Sa migration est uniquement artistique, il parcourt le monde pour en échanger avec les différentes cultures.

    Sa peinture reflète à la fois son état d'esprit du moment, mais aussi l'ambiance de ses différents lieux de vie. Quelque soit le sujet, elle est toujours dans un mouvement plus ou moins accentué, plus ou moins torturée, plus ou moins colorée. Il se sert admirablement  des techniques traditionnelles mais ne refuse pas les plus modernes.

    Inspiré par l'expressionnisme dans sa forme, il plonge avec talent dans un symbolisme teinté de surréalisme tout en revandiquant haut et fort une totale  liberté d'expression et de création. L'intérêt profond que l'artiste voue aux voyages créatif, l'histoire et la culture de nombreux pays, ont contribué à sa réputation de "peintre ambulant". Et tous ces voyages l'on amené  à la création d'autant de séries picturales. Ainsi par exemple "Reminiscences de Russie" évoque les lieux siants de la Russie, "Sur les traces de Rachmaninov" se consacre au destin, à la vie et l'oeuvre du musicien.

    La série de peinture "Coup de vent", quant à elle, n'évoque pas un songe, mais le souvenir de l'avenir... Il arrive que l'on ait parfois la sensation de pouvoir percevoir affectivement ce quel'on n'a jamais vu. Au gré de périgrinations fantastiques, et comme à travers un miroir, le Temps se refléchit avant et après, sur le chemin de l'éternité.
    L'oeuvre de Vladimir SHESTAKOV est profondément empreinte d'un sentiment intense de communion avec la nature; s'y ajoutent la douleur forte et une sensibilité qui font de son oeuvre un hymne à la nature et à la vie., une oeuvre éminemment expressive.

    La collection des toiles nommées "Mouvement" intègre plusieurs découvertes anciennes du peintre aux fruits de ses recherches récentes sur la transformation des formes dans le mouvement, mouvement fait de lumière et de couleur pour passer de la vision abstraite vers la chair de la vie. Mouvement, c'est l'éclaircissement du contenu, une tentative d'intégration harmonieuse du formel de l'art et du réel de l'existence humaine. C'est un nouveau regard, un renouvellement.

    Le projet du peintre "Autour de la musique" constitue une synthèse naturelle dans son oeuvre. Il consiste à associer une série visuelle de toiles ayant pour sujet la musique, leur représentation dans l'atmosphère d'une soirée musicale. L'exposition de ces tableaux se veut la réunion harmonieuse du son et de la couleur, le spectre des rythmes, du mouvement , du geste et de la ligne.

    Les projets artistiques présument l'exploitation continuée d'autres aspects d'arts tels que vidéos et installations, la création des oeuvres de peinture, de graphiques et de posters en techniques mixtes et sérigraphie.

    Ainsi les nouvelles séries de peintures "Jazz fantaisie" et "Théatre des masques" est une scène ouverte aux expérimentations dans le domaine de la synthèse des arts, c'estune recherche du style et de la diversité des procédés techniques dans l'art. "Jazz fantaisie" et "Théatre des masques" poursuivent les recherches de l'interprétation des thèmes de la musique et du théatre modernes.

    Dans "La voix des masques", Claude Lévi-Strauss pose la question de l'identité du masque, de sa signification et de ses rapports entre mythe et esthétisme. C'est une recherche similaire qu'entreprend Vladimir SHESTAKOV avec cette série sur les masques. Masques vénitiens, de la Comédia del Arte, masques africains, japonais, masques pour rire, dissimuler... le choix d'un masque n'est jamais innocent."

    Communiqué de presse Exposition Eze-Village. 

  • SILAS Vincent

    Vincent SILAS est né en 1985, il vit et travaille à Marseille.

  • SINANI Ali

    Ali Sinani est né en 1977 à Dobridol près de Gostivar, la république de Macédoine. Il est diplômé en 2002 à la faculté des Beaux-arts de Skopje,  session pédagogique, orientation peinture dans la classe du professeur Rubens Korubin.

    Il a parallèlement fait des études de magistrature à la même faculté dans la classe de Doc. Antoni Maznevski.
    En  2012, il suit les cours du professeur Fehim Huskovic.
    Ali Sinani est membre de plusieurs associations en Europe. Entre 2000 et 2015, il a réalisé plus de 50 expositions collectives et individuelles en Europe et en ex Yougoslavie.

    Depuis 2000 il vit et travaille en Suisse.

    Toujours et partout « panta rhei »

    Ali Sinani donne une profondeur pure, un art que la critique à des difficultés à classifier dans des écoles, des styles ou des musées. Par certains aspects et surtout dans l’esthétique, Ali Sinani prend le chemin de l’harmonie totale.

    C’est un travail mystique qu’Ali Sinani réalise, sans recherche de la beauté mais dans la recherche intrinsèque des œuvres artistique, dans la recherche des signes de communication, identiques à ceux qui apportent en soi-même le rapport intime et culturel.

    Ali Sinani travaille avec des cycles et dans un ordre thématique, « les traces », « traditions », « nostalgie », « la séparation », « l’énigme », « l’espérance »…

  • SÖNMEZOCAK Ahmet

    Ahmet Sönmezocak est née en 1977 à Eskisehr.
    Il entame ses études en 1996 dans la filière enseignement des beaux-arts à la faculté d’Enseignement de l’Université d’Anatolie. Il obtient son diplôme en 2000.
    La même année, il commence à exercer son métier d’enseignant.
    Il poursuit également ses activités de peinture dans son atelier à Eskisehir.

  • MAUPUY Alain

    Maitrisant le dessin dès son plus jeune âge, Alain Maupuy se dirige vers des études d’architecture. Si le goût de la peinture ne lui vient qu’un peu plus tard, il décide de se consacrer pleinement à cette nouvelle passion, et reprend ses études à l’âge de trente-quatre ans. Ces cinq années passées aux Arts Décoratifs de Genève lui permettent de perfectionner sa technique et de participer à ses premières expositions. Il réalise d’abord des œuvres figuratives et classiques, mais l’étude des peintres cubistes (Delaunay, Braque, Picasso…) et de la peinture abstraite du 20eme siècle (De Stael, Zao Wou Ki, Vieira Da Silva…) l’encourage à prendre un tournant définitif et il choisit de représenter le monde « autrement ».

    Depuis vingt ans, loin des tendances passagères, il est à la recherche de la beauté et de l’émotion pure. Pour ce faire il développe son propre geste pictural : il abandonne le couteau mais reste fidèle à la peinture à l’huile qu’il utilise avec plus de légèreté, recherchant les transparences. Pour lui, chaque œuvre est une nouvelle aventure, un moment miraculeux où la volonté de l’artiste doit s’accommoder du hasard, où la technique doit savoir laisser place à la sincérité. Abstraction et figuration ne sont qu’un point de départ et la construction, les formes et surtout les couleurs, qu’il travaille avec subtilité, deviennent les éléments d’un tout autre langage. Sans message ni symbole, ses œuvres rayonnantes et authentiques touchent au cœur. Elle sont une porte vers un autre univers, une invitation au voyage intérieur.

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